Archive for the ‘Macro Tendencia’ Category

El levantamiento de los nichos
12/11/2010

Que la revolución freak está redefiniendo la fisonomía del mainstream cinematográfico es un hecho. Hasta hace poco más de un año la película más taquillera de la historia era un film de época basada en el hundimiento del Titanic, un catástrofe histórica de tanto calado que algunos la calificaron como el fin de la era de la confianza ciega en el progreso técnico. Ahora la peli más taquillera la protagonizan unos extraterrestres de dos metros y tez azulada que luchan por la defensa de su ecosistema.

En tercera posición en la lista de las más vistas está la última parte de una trilogía épica donde el centro de la trama se sustenta en unos seres que miden la mitad que los indígenas del planeta Pandora, tienen pelo en las plantas de los pies y beben té con pastas a las cinco de la tarde. El cómic de superhéroes también tiene ahora una alta representación en el ranking de las más taquilleras de todos los tiempos. El hombre murciélago es el séptimo de la lista, con el lanza redes arácnido diez posiciones por debajo. Las historias de un mago preadolescente, estigmatizado y vengativo ocupan la octava y décima posición, un pirata medio loco basado en la gestualidad de Keith Richards la cuarta y la novena, y en sexto puesto están las aventuras de una joven soñadora que come pastillas, persigue conejos con guantes, y habla con gatos que ríen y orugas que fuman.

El cine ya no será el mismo después del asalto nerd. El undergoud emerge poco a poco de las profundidades de la cultura pop y las ovejas negras de la sociedad se dignifican. Es por esa razón que Universal se ha atrevido a gastarse 60 millones de dólares en una película sobre los amores, desamores y vicisitudes varias de un veinteañero fan de los videojuegos que aporrea el bajo con su banda de rock. Se trata de Scott Pilgrim VS the World, una cinta basada en un cómic todavía más minoritario que los que salen de las factorías de Marvel o DC, inspirado en los mangas japoneses y hecho en Canadá.

Hoy, tres meses más tarde que su lanzamiento en los Estados Unidos, se estrena Scott Pilgrim en España. Una elegía repleta de referencias pop, que van desde Zelda y Street Fighter al grounge y el Batman televisivo, protagonizada por la superstar indie Michael Cera y dirigida por Edgar Wright. La banda sonora compuesta por parcialmente por Beck es una auténtica redención para el artista, sobretodo por el lovetheme Ramona que evoca la victoria final de los losers ante tanto ganador insensible que corre por el mundo. Los canadienses Metric también han compuesto un muy buen tema para la BSO llamado Black Sheep, título conceptualmente muy alineado con las metalecturas de fondo de la película. Y los newyorkinos Anamanaguchi le dan el toque ochobitero teñido de nostalgia prototecnológica.

Sin ningún ánimo de “spoilear” el film os contaré que esta cinta es totalmente imprescindible para entender hacia donde se mueve el mercado cinematográfico, tendencia que se hace extensible a todos los mercados en general.

La inspiración del mainstream en los entornos de nicho encarnados por los freaks comiqueros, los hiper-cools de vanguardia, los emogóticos vampirofílicos, y demás subculturas es un hecho. El mundo se nichifica y ni los contenidos ni la publicidad ni el marketing volverán ya a ser los mismos.

Es cierto que Scott Pilgrim se estrello comercialmente en EUA pese al favor generalizado de la crítica, recaudando tan solo la mitad de lo que costo hacer la película. Pero son cintas como esta las que nos dan señales que el mercado poco a poco se va fragmentando en pequeños pedazitos como un inmenso y legendario barco de acero al chocar contra un iceberg.

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Lirismo en 16 bits
17/03/2010

“Definitely computer games do not affect kids. I mean if Pac Man affected us as kids, we’d all be running around in darkened rooms, munching pills, and listening repetitive music.” Kristian Wilson, CEO, Nintendo, 1989

Utilizar las pegadizas cancioncitas de los videojuegos de los 80 como inspiración para producir música electrónica viene siendo una constante en los últimos años. Es obvio que toda una generación de artistas fueron influenciados por los sonidos que emitían sus maquinitas mientras intentaban rescataban princesas pixeladas, ingerían cocos a destajo, o salvaban a la tierra de las garras de disciplinadas hordas de invasores espaciales alienígenas. Todas esas melodías reproducidas en loop, una vez tras otra, calaron en lo más hondo de las tiernas mentes infantiles de los futuros creadores y afloran como predisposición estética en la actualidad, consciente o inconsciente.

Lo que empezó como influencia generacional ha acabado cristalizando como algo más que eso. La música 8-bits se ha convertido en un estilo musical compacto, que se nutre de los sonidos de samplers, o audio real de máquinas míticas como la Game Boy. El hecho de estar perfectamente alineada con la macro tendencia nostálgica y ochentera hace que el estilo goze de buena salud, y que vivamos una auténtica ola de lo-fi digital y sonidos tan pixelados como sus gráficos coetáneos.

Pero hay vida prototecnológica mas allá de los 8-bits. Los 16-bits llegaron al mundo de los videojuegos domésticos en el 1988 de la mano de la Sega Mega Drive. Técnicamente solo estaba un paso por delante de su antecesora, con algo más de definición, pero todavía a años luz de la era del megapíxel. Su artista paradigmático es Kavinsky, quien esta a pocas semanas de lanzar su nuevo Ep titulado Nightcall.

Dicen las notas de prensa que Kavinsky es un zombie que volvió al mundo de los vivos tras un terrible accidente de coche en 1986 mientras conducía su flamante Ferrari Testarrossa. La verdad es que Kavinsky no es más que un personaje creado por la  imaginación de Vincent Belorgey, pero una vez más, si un  storytelling es coherente con el producto que pretende vender acaba funcionando.

Muchas bandas construyen un stroytelling más o menos basado en la realidad, para elevar su aura creativa, dar carnaza a los periodistas musicales y tema de conversación a los fans. Pero en el caso de Kavinsky es interesante ver como se genera un storytelling absolutamente ficcionado, creando un personaje que bien podría ser el protagonista de un cómic para modernos.

En realidad Kavinsky nació después que el productor de música electrónica francés Mr Oizo, famoso por poner música a una conocida campaña de Levi’s, le dejase prestado un Mac. Belorgey empezó a componer, inspirado por los videojuegos de coches que tanto le gustaban de niño y las bandas sonoras de Giorgio Moroder, Harold Faltermeyer y toda esa música efectista y retro que ambientaba películas de los 80’s como Top Gun o Superdetective en Hollywood.

Kavinsky es el artista isnigina de los 16-bits puesto que sus canciones utilizan casi exclusivamente un emulador virtual del famoso sintetizador Yamaha DX7, todo un clásico puesto que fue el primer sintetizador que basaba la generación de su abanico sonoro en las ondas FM, con una resolución de solo dieciséis dígitos binarios. Es por eso que la paleta cromática de Kavinsky es en esencia la misma que la empleada en bandas sonoras de videojuegos míticos de la Mega Drive como Out Run, Virtua Fighter, Sonic o Shinobi III.

Nightcall será el tercer Ep de Kavinsky después de sus laureados Teddy Boy, o 1986. En el Vincent Belorgey ha contado con la ayuda en la producción del miembro de Daft Punk Guy-Manuel de Homem-Christo. El Ep consta de cinco temas uno de los cuales está remezclado por Dustin N’Guyen, seudónimo bajo el que los expertos especulan que se esconde la alargada mano de Xavier de Rosnay, o más conocido como la mitad barbilampiña de el dúo Justice.

Como veis, una vez más en París, las élites creativas son más endogámicas que los personajes de Hospital Central. El EP Nightcall en formato vinilo ya se puede encargar en la  pagina web de la discográfica Record Makers (sello que pertenece a Air), iTunes fecha  su lanzamiento en formato digital  el 26 de este mismo mes, y a primeros de Abril podremos comprar Nigthcall en las tiendas.

De todas formas, como casi siempre, todos los temas del Ep han sido filtrados y colgados en Youtube, aquí están los títulos debidamente linkeados. Pero para los neófitos recomiendo un visionado previo del videoclip que relata el electrificado storytelling de Kavinsky.

Nightcall – Kavisnky (2010)

  1. Nightcall
  2. Pacific Coast Highway
  3. Pacific Coast Highway (Jackson Remix)
  4. Nightcall (Dustin N’Guyen Remix)
  5. Nightcall (Breakbot Remix)

Gastronomía por un tubo
31/12/2009

La Navidad siempre ha sido tiempo de ingesta calórica y glotonería, pero también es la época cumbre de la delicatessen y el refinamiento gastronómico. Las comidas y cenas familiares se convierten en opulentos banquetes en los que se come y se bebe en exceso, pero los paladares ávidos de los placeres de la buena mesa se preparan para degustar todo aquello que por contención, falta de tiempo, o pudor, no nos atrevemos a comer durante el resto del año

Entre otros muchos manjares en Catalunya es típico comer escudilla y carn d’olla el día de Navidad y canelones en Sant Esteve, pero… ¿Que hace un plato de pasta de claras reminiscencias italianas aposentado en pleno epicentro del recetario catalán? Pues bien, para contar el origen de esta tradición hay que remontarse al 1800, cuando el maestro Gioachino Rossini autor de obras claves del bel canto italiano como El Tancredi, El barbero de Sevilla, o Guillermo Tell, creó una receta de canelones hechos a base de carnes foie gras y bechamel. Rossini además de ser uno de los más célebres compositores de la historia de la música también fue un refinado gourmet cuyo exquisito paladar y fuerte amistad con el gran chef francés y cocinero personal de Napoleón, Antonin Carême, dio fruto a distintas recetas que todavía perduran en la actualidad.

Los canelones Rossini fueron un plato de corte indispensable en el repertorio culinario de los grandes chefs franceses de segunda mitad del siglo XVIII hasta que en 1903 llegaron a la ciudad de Barcelona gracias a la Maison Dorée, un mítico restaurante abierto en la Plaza Catalunya esquina con la calle Bergara, justo en frente de lo que hoy es el Fnac. Fue en este regio establecimiento de la Ciudad Condal de principios del siglo pasado donde según el periodista y gastrónomo Nestor Lujan los canelones del maestro Rossini se popularizaron entre la burguesía catalana.

Lo que empezó como una tendencia para la clase adinerada caló en el imaginario culinario de las clases populares de la ciudad y más tarde en el resto de Catalunya, que vio en la receta de Rossini dos suculentas ventajas; apropiarse del aura de lujo aspiracional de los suntuosos manjares de la corte gala, y aprovechar los restos de carne de la escudella de Navidad, ya tradicional en la época.

En este caso vemos como la innovación de Rossini es amplificada através de un famoso restaurante, consolidada como tendencia por la burguesía catalana, y al alinearse esta con la macrotendencia psicosocial del archiconocido ahorro catalán, convertida en una moda por el resto de la población. Un siglo más tarde, con el paso del tiempo, la naturaleza líquida y voluble de toda moda pasaría a solidificarse para convertir los canelones del maestro Rossini en una verdadera tradición. Y bien, ¿Quien dijo que todas las modas son pasajeras?

Pese a parecer dos disciplinas diametralmente opuestas, música y gastronomía tienen muchos más vínculos de los que se aprecian a primera vista. Ambas artes comunican y emocionan a través de sentidos casi considerados secundarios en estos días de domino tiránico de lo visual. La sensibilidad que requiere saber discernir entre un buen guiso y un buena pieza musical es una virtud que se solo adquieren con el tiempo aquellos quienes estén dispuestos a educar gusto, olfato y oído.

Quizás Rossini sea el personaje que más lejos llevó el entrenamiento simultaneo de las artes culinarias y musicales. Tomemos pues al maestro como referente. Ni decir hace falta que no es necesario que intentemos imitar su genio creativo pero sí su ejemplo a la hora de adentrarnos en las sendas del cultivo y aprecio de la música y la cocina.

Aquellos que sepan diferenciar entre el grave sabor del bajo en una pieza de jazz, las agudas notas de canela y chocolate en un estofado de ternera, la dulce variación de la viola en una sinfonía clásica, o la armoniosa combinación de ingredientes de unos buenos canelones, serán más felices, e incluso más buenos que los que se conforman con llenar la barriga un par de veces al día, o en descargarse el politono de moda para el teléfono móvil.

¡Feliz año a todos los seguidores del blog, en 2010 seguiremos subiendo a tender!

[Youtube http://www.youtube.com/watch?v=6Jv3lL6imzU%5D

La venganza de los Frikis!
24/11/2009

No hace mucho tiempo el establishment adolescente excluía a aquellos quienes en vez de jugar un partido de futbol preferían acurrucarse en un rincón y leer por octava vez su cómic favorito de las aventuras del Hombre Araña, a quienes no seguían los rígidos decálogos de la moda de instituto, y a los que vivían romances imposibles dentro de las paginas de un libro de vampiros. Haciendo gala de la crueldad infinita propia de quienes se encuentran perdidos en la encrucijada entre la niñez y la edad adulta se reían de ellos, y cargados del más hondo de los desprecios les llamaban frikis.

En la actualidad la tortilla parece haber dado un giro de 180 grados y lo que antes eran contenidos de nicho emparentados con el mundo de la subcultura, en nuestros días son auténticos fenómenos de masas. Aquel cómic roñoso se ha convertido en los 1001 millones de dólares de recaudación de El Caballero Oscuro, la última película de Batman, o los 885 de Spiderman 3, cuarta y catorceava más taquilleras de la historia respectivamente. Tras el primer fin de semana después del estreno, la segunda entrega de la saga Crepúsculo va por el camino. Luna Nueva ha recaudado en solo tres días la friolera de 140 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, desbancando a los Piratas del Caribe como tercera película más taquillera 72 horas después de su primer pase en los cines.

Sin duda, la saga Crepúsculo más que un fenómeno cinematográfico es un fenómeno social síntoma de un cambio de gustos del consumidor que cada vez demanda productos con campos semánticos más jugosos y menos evidentes. Es cierto que a ojos de alguien que esta fuera de target el romance entre la rarita y paliducha Bella, y Edwar el vampiro imberbe, se parece más a los Amantes de Teruel que a unos Romeo y Julieta modernos… Pero los códigos de interpretación necesarios para entender y conectar emocionalmente con la película no son los mismos que los de hace una década.

Así pues no sorprende que la música también esté teñida de la misma filosofía. Lo obvio ya no vende, o vende menos, así que… ¿Porque no confeccionar una banda sonora repleta de temas pop compuestos por artistas independientes? Al fin y al cabo, se supone que ese tipo de gente eran quienes leían cómics y literatura fantástica en su adolescencia, e incluso puede que lo sigan haciendo… Thom Yorke, Death Cab For Cutie, The Killers, Bon Iver, Muse, OK Go, Grizzly Bear y Editors, son solo algunos e los nombres de las bandas que decoran el trak-list de la BSO de Luna Nueva.

¿Quien ha sido la responsable de unir semejante aglomeración talentos y perfiles comerciales alternativos? Si quieres una banda sonora independiente pero con pegada solo hay una persona a la que recurrir. Se llama Alexandra Patsavas y su consultora/discográfica Chop Shop Records es la responsable de la edición y selección de las canciones que aparecen en series como The OC, Gossip Girl, o Anatomía de Grey. De esta última serie se han hecho distintos recopilatorios que incluso han llegado a ser nominados a los Grammys. Alexandra es una verdadera maestra a la hora de encajar una canción rarita sobre un soporte audiovisual masivo y hacer que ambos se conviertan en todo un éxito. Además los alternativos siempre salen más baratitos oiga…

Quien ríe último ríe mejor. Los frikis de antaño ven como los hijos de quienes les menospreciaban en la adolescencia acuden en masa a los cines a ver películas de superhéroes de capa y leotardo, las hijas de los presidentes de gobierno se visten de bruja, y las de los demás sueñan con enamorarse de un vampiro.

Y bien… ¿Quien es el friki ahora?

Julian All Stars
07/10/2009

Julian Casablancas acaba de estrenar el 11th Dimension, primer single del que será su Debut en solitario, cuya salida al mercado se prevé para este mismo Otoño.

Para quien no lo conozca, Casablancas es un verdadero icono del indie. La banda de la que es cantante, The Strokes, rompió la hegemonía del britpop de Oasis, Blure, Suede y compañía, con una propuesta rock de tintes punk y new weave que focalizó en esos estilos la creatividad de los años siguientes. La magnitud del grupo y su posterior influencia es tal que si resumiéramos la historia de la música pop de las últimas décadas, sin duda, el nacimiento de The Strokes aparecería en mayúsculas y negrita.

Pero la banda de Manhattan no solo marcó el paso en el terreno musical sino que también lo hizo en el campo en que moda y marketing se dan la mano, e incluso el lote. The Strokes fueron la mejo herramientas de reposicionamiento de las Converse All Stras.

Por un momento hagamos un ejercicio de memoria y retrocedamos asta el 2001. En ese año se creó la Wikipedia, cayeron las torres gemelas, y en el cine se estrenaron los primeros episodios de Harry Potter, El Señor de los Anillos, y Shrek. También fue el año en que The Strokes publicaron su primer disco Is This it.

Aquel año yo estudiaba 2º de carrera. No recuerdo como el disco llego a mis manos pero el hecho es que me fascinó. No tardé en ser fan de la banda, y dada mi permeabilidad de estudiante en pleno proceso de construcción de lo que llaman la self brand, quise apropiarme de la imagen de The Strokes para ganar relevancia en mi entorno. Encontrar la chupa de cuero ideal no fue tarea fácil, pero acabé dando con ella en una tienda de segunda mano de Riera Baixa (todavía no existía el Ohlala Plaza). Encontrar el calzado fue una tarea mucho más ardua. Tras patearme todas y cada una de las zapaterías y snakerias cool del centro de Barcelona en lo que fue sin saberlo, mi primer scouting, me resultó totalmente imposible dar con el modelo Converse All Stars que tanto anhelaba. Entonces descubrí eBay, pero eso es otra historia.

Lo que vengo a contar con esta anécdota más propia de blog personal que de lo que pretende ser esta página es que en 2001 era imposible comprar unas All Stars. Ahora, en 2009, puedes encontrarlas en la más recóndita tienda de barrio regentada por una pareja de abueletes asediados por unos chinos que quieren montar un todoauneuro en su establecimiento.

En esta historia The Strokes fueron los amplificadores de una moda con un recorrido paradigmático dentro de los procesos de adopción. Desde que los primeros early adopters calzamos las All Stars, asta que lo hizo mi primo adolescente, o mi tia funcionaria cuando va de sport, pasaron unos 5 años. En la actualidad las All Stars están tan descafeinadas que ya no son un accesorio cool, pero es curioso ver como muy lentamente han recorrido todos los estadios de la parábola de Everett Rogers retrasando su declive y convirtiéndose en la actualidad en uno de los básicos del mundo del calzado.

No se si utilizar a The Strokes como amplificadores de una complicada estrategia de reposicionamiento fue la intención del departamento de marketing de Converse. Lo que sí se es que en la celebración del centenario de las All Stars, durante este 2009, la marca, agradecida, contó con la ayuda de Julian Casablancas para poner voz a una de las canciones que conmemoravan la efeméride.

Se puede afirmar que Julian Casablancas es un verdadero trendsetter del underground. Algo así como lo que son Sara Jessica Parker, Kate Moss o Linsay Lohan para el mainstream. Por ello el cambió estético que Julian propone a partir del artwork de su nuevo disco es digno de análisis.

En Phrazes for the Young Casablancas vuelve a tirar de nostalgia, pero cansado de los desgastados 80 y del Coche Fantastico el cantante neoyorquino se apropia de referentes más freaks como el Dr Who, y se remonta a décadas pretéritas, apelando a un retro futurismo muy muy retro.

La hiper nostalgia de Casablancas es una nostalgia de lo no vivido, una nostalgia de la representación.

Hay chicha para rato con el tema, pero de momento os dejo con el teaser de Phrazes for de Young para que cada uno saque sus propias conclusiones y así lo vamos comentando en plan 2.0.

Viral Weekend
19/09/2009

Hace días que esperaba encarecidamente tener una buena escusa para hablar de Vampire Weekend, sin duda una de las bandas más laureadas e influyentes de los últimos años. Su estilo de tintes afro-pop supuso una originalidad renovadora a principios del 2008 y planto la semilla de una de las más fuertes recientes tendencias musicales.

Pues bien, la escusa por fin ha llegado, Vampire Weekend han puesto fecha oficial al lanzamiento de su segundo álbum. Será en enero de 2010 y se llamará Contra. No se si el titulo esta inspirado por el famoso videojuego de Nintendo o por la histórica guerrilla contrarrevolucionaria nicaragüense, lo que si que se es que en el nuevo álbum la influencia afro-pop sigue vivita y coleando.

Con su disco de debut la banda que lidera Ezra Koenig se transformó en todo un fenómeno next blog thing, y como la cosa les fue bastante bien ésta vez Vampire Weekend también ha optado por los aliarse con los blogs a la hora de hacer pública la próxima aparición de su trabajo.

Lo hicieron a partir de un viral en el que podíamos ver la misteriosa foto de la chica del polo Ralph Lauren amarillo pero sin ningún tipo de información al respecto. Al clicar sobre ella un link nos llevaba directamente a la página ithinkuracontra.com donde únicamente podíamos ver la misma foto. El misterio se resolvió cuando hace un par de días la banda redireccionaba ithinkuracontra.com a su propia página web, y allí anunciaban la aparición de su nuevo disco cuya portada protagoniza la rubia de mirada inquietante.

Sin duda Vampire Weekend son unos chicos listos. No solon pusieron de moda la influencia afro-pop, un estilo de raíces “naturales” que contentó al público a quien no convencían las artificialidades del new rave (la otra tendencia coetánea), sino que han sabido detectar la potencialidad amplificadora de los grandes blogs musicales como stereogum, y valerse de ellos para llegar al público final y crear expectación sobre el futuro lanzamiento del nuevo trabajo.

A parte de un par de youtubes robados en los que podemos ver y escuchar alguno de los nuevos temas interpretados en directo no se si Contra pegará tan fuerte como lo hizo su debut, pero lo que está claro es que Vampire Weekend entienden a la perfección como funciona el nuevo negocio de la música.

Para que podáis contemplar a Vampire Weekend en toda su esencia y desnudez os dejo con uno de los videos hicieron con la gente de la Blogotheque, excelente blog que se dedica a grabar a bandas tocando en directo en lugares poco frecuentes.

Radiohead vuelve a la carga
07/09/2009

Radiohead son la piedra en el zapato de la industria discográfica. Ya durante su carrera habían apuntado maneras negándose a tocar en directo la canción que les había llevado a la fama, cargando en sus letras contra el sistema imperante basado en la productividad, o proponiendo como single de su tercer disco un tema de 6:24 que desbarataba todo el planning de rotación de la MTV.

La cosa fue a más con su último disco de estudio. In Rainbows fue lanzado a través de su página de internet y se podía descargar pagando solo la voluntad. Con ese movimiento, que a ojos de muchos parecía uno de los más descabellados suicidios comerciales en la historia del pop, Radiohead consiguieron cumplir todos los objetivos de su intrincado plan. 1-Hacer reflexionar al consumidor sobre el valor de la música. 2-Generar tantísimo revuelo mediático que el éxito estuviese garantizado. 3-Dejar en ridículo a la industria discográfica.

Pues bien, en la actualidad las cabecitas pensantes de Radiohead ya están tramando una nueva estrategia con la que poner patas arriba el mundo de la música. Se trata de mandar al traste el formato de disco tal y como lo conocemos. Un formato LP “larga duración” que viene dado por la capacidad de almacenaje del soporte CD-ROM y que se ha convertido en una convención que Radiohead reclaman como absurda. ¿Quién ha dicho que la música hay que venderla en packs de 12 canciones? ¿Qué pasa si la vendemos en packs de 6, de 4, o directamente por unidades? Esa pregunta que los solteros a quienes caducan huevos y yogures en la nevera han obligado a formularse al gran consumo todavía no se había planteado en el mundo de la música, y quizás ya venía siendo hora…

Así pues, la banda de Oxford ha dicho por activa y por pasiva que su nuevo trabajo discográfico no respetará el formato tradicional y que compondran temas que empaquetaran a su gusto cuando les venga en gana, pero que seguramente el formato elegido será el de EP, es decir, medio disco (de 4 a 6 temas).

Si ese modus operandi fuera una unicidad excéntrica e irrelevante seguramente se quedaría solo en eso, el problema es que con Björk en horas bajas y Cold Play pasados hace años al lado oscuro, Radiohead son la banda más influyente del indie a nivel global y cualquiera de sus movimientos marca la misma tendencia que el nuevo estilismo de Kate Moss o Rachel Bilson en lo que a moda se refiere.

Desde el bando del distribución comercial ya hace tiempo que iTunes está erosionando al LP con su venta a despiezada, pero si ahora Radiohead se les suman e inicia la cruzada desde el bando de la creación la pinza que hagan entre los dos puede resultar del todo asfixiante para el formato.

Veremos que pasa. De momento aquí va uno de los nuevos temas en solitario del líder de Radiohead y auténtico Nerón del cotarro discográfico, el bueno de Thom Yorke.

El renacer del pop en catalán
04/09/2009

La Música cantada en catalán vuelve a estar de moda, pero esta vez libre de complejos, sin tintes de reivindicación política ni lingüística, y tratando la particularidad idiomática con una naturalidad sin precedentes.

El fenómeno se remonta a mayo de 2003 cuando una banda mallorquina se colaba en un cartel del Primavera Sound repleto de nombres internacionales. Se llamaban, y se siguen llamando, Antonia Font. Lo que ahora puede parecer normal fué en ese momento una pequeña revolución, puesto que durante los 80 y los 90 los grupos que cantaban en catalán pertenecían a un submundo paralelo que nada tenía que ver con la música que se hacía fuera de nuestras fronteras. Con Antonia Font se hizo la excepción. Quizás el hecho de haber nacido y crecido como banda en una isla les apartó de la coyuntura sociopolítica. Ellos no pretendían revindicar nada que no fuese su propia música y lo hacían usando el idioma que habían utilizado toda la vida, liberando así al pop cantado en catalán de aspectos que nada tienen que ver con el mundo de la creación artística.

Así pues, el aislamiento y la creatividad fueron los motivos por los que a Antonia Font les toca el papel de outsiders innovadores que de forma inconsciente siembran la semilla de una tendencia que ha ido germinando con el paso del tiempo hasta florecer en la actualidad.

Por el camino han sido muchas las bandas que, liberadas por el fenómeno Antonia Font, decidían pasarse al catalán. En un momento en que no importa demasiado el mercado potencial porque no se venden discos ni a tiros parece absurdo intentar defender una propuesta con honestidad y no usar el idioma con el que uno se comunica normalmente. Mishima o Refree son un ejemplo de ello, y por ese motivo encarnan en este caso el papel de los early adopters que recogen la singularidad de la innovación y la amplifican.

La tendencia se convierte en moda cuando esta se consolida y Manel han sido quienes lo han hecho posible. El fenómeno Manel empezó cuando a finales del 2008 sacaron su disco debut. Su pop-folk directo y costumbrista sintonizaba con una generación huérfana de referentes en su idioma. Una gran parte del público catalán por fin empatizaba con las canciones y letras de una banda que no blandía ninguna bandera que no fuese la de la música.

Diez meses después de ese debut el éxito de Manel parece no tener techo. Su Myspace supera los tres cuartos de millón de visitas, y durante el verano no ha habido pueblo ni fiesta patronal en la que no hayan tocado y salido finalmente en hombros y por la puerta grande.

Hay muchos factores que diferencian está nueva moda y el boom del rock català de la década de los 90. El principal es que entonces casi no importaba lo que se decía sino la lengua en que se decía. Por fin hemos superado ese embudo artísticamente estéril que atascó la creatividad y condenó al olvido el esplendor musical de la Barcelona de los setenta. Manel han recogido el testimonio y son ahora los portavoces de un realidad que puede marcar una nueva época.

Las Walkirias cabalgan de nuevo!
31/08/2009

Quizás Richard Wagner sea uno de los compositores más destacados de la historia de la música. Su obra rebosa belleza y dramatismo, y evoca emociones a partir del exceso. La esencia romántica del wagnerismo es indiscutible, que curioso que en la actualidad el bangersimo sea el movimiento sonoro que retoma esa sensibilidad estética.

Pero los paralelismos entre romanticismo y bangersimo van más allá del juego de palabras y la similitud entre valores estéticos. Así como el romanticismo nació en contraposición a la clasicismo y finalmente consiguió desbancarlo, en el terreno de la electrónica de club, el bagnerismo es la tendencia que ha roto la hegemonía del minimalismo alemán, sobrio, frío, y calculadamente racionalista.

Para enfocar un poco mejor la foto hay que aclarar que el bangerismo, también llamado franch touch, nace del sello discográfico parisino Ed Banger, cuyo fundador, Busy P aka Pedro Winter, fue manager del influentísimo dúo francés de electrónica Daft Punk.  En su sello militan algunos de los nombres que han revolucionado la escena clubera de vanguardia como Uffie, SebastiAn, Feadz, Mr Ozio o Justice. Son estos últimos los que mayores cotas de éxito han conseguido. Sus composiciones oscilan entre la electrónica más dura y el pop más ameno, tiñendo la música de club de la esencia épica del rock, y convirtiéndose en el gran grupo estandarte para los hipsters, la nueva gran tribu urbana de la que hablaré en futuros posts.

Pero el sonido bangeriano no solo ha calado en la ciudad de París sino que se a extendido a lo largo y ancho del planeta como una mancha de aceite imparable que influencia tanto a nuevos productores de electrónica como a jóvenes bandas de rock, hecho que recalca la incidencia transversal de esta tendencia.

De la mano del bangerismo las Walkirias vuelven a cabalgar, pero esta vez lo hacen en las discoteca. En Barcelona las podremos ver dar rienda suelta en el Club Noise, en el Nasty Mondays, en Le Robot Rockz, o en el Boombox. En Madrid sus largas trenzas ondean al viento en el Low Club, o en el Dirty Club.

Os dejo con uno de los más románticos videclips de Justice, no apto para sensibilidades neoclásicas…